Aleksandra Lemke

Esta semana estamos muy contentos de presentarte a Aleksandra Lemke, una fotógrafa de espíritu libre de retratos y moda con sede en Finlandia. En esta entrevista, Aleksandra nos explica cómo es trabajar en la fotografía de moda y cómo construir una red en un lugar nuevo.

¿Cómo se inició como creativo y qué le hizo inclinarse por la fotografía de retratos y de moda?

Recuerdo brevemente que estuve rodeada de cámaras y fotografía durante mi primera infancia. Cuando tenía pocos años, empecé a jugar y a hacer sesiones de fotos con mis bisabuelos como modelos. Todavía conservo esas fotografías. Siempre me interesó cualquier forma de arte, pero especialmente las imágenes fijas. No puedo decir con certeza qué es lo que me atraía de la fotografía por aquel entonces, pero en el instituto supe que sería una parte importante de mi vida. Me inscribí en una escuela de arte en mi ciudad natal, Polonia, y así comenzó mi verdadero viaje.

Soy una persona de espíritu libre, que sueña despierta más a menudo de lo que debería, y siempre me ha gustado compartir esta sensación de libertad con la gente que me rodea. Me encantaba crear el momento, en lugar de sólo capturarlo. Me encanta dirigir a la gente e invitarla a mi pequeño mundo, y creo que esas son las principales razones por las que elegí los retratos en lugar de los paisajes, por ejemplo. Tienes más libertad para expresarte, y realmente vives en un momento presente.

¿Cómo describiría su estilo personal y hay algún fotógrafo en el que se inspire?

Mi estilo es muy real y casi balletístico. Aprecio la sensación de crudeza y misterio de la fotografía analógica, y trato de mostrarla en mi arte. Trabajo la mayor parte del tiempo sólo con luz natural, y esto define mucho mi estética. Me gustaría pensar que mis fotografías son cautivadoras en el sentido de que los espectadores se interesan por lo que hay detrás de esa pose, o por el brillo de los ojos de la modelo.

Me crié con la fotografía de Helmut Newton y Richard Avedon. Para mí fueron los pioneros absolutos de la fotografía de moda. Me encantan y aprecio las técnicas de luz de Peter Lindbergh. Mis favoritos actuales son Rafael Pavarotti y, por supuesto, la imparable Sonia Szostak.

Usted creció en Polonia y ahora reside en Finlandia. ¿Cómo te desenvuelves en la red de contactos cuando trabajas como fotógrafo en un lugar nuevo?

No voy a mentir; la transición fue muy dura. Cuando me mudé a Finlandia en 2014, realmente tuve un pequeño descanso de la fotografía. Ya estaba luchando con mi confianza en el arte por aquel entonces, así que mudarme a otro país donde no conoces a nadie, el idioma o la cultura me daba miedo, y no era prometedor.

En los años siguientes, empecé a conocer a más gente y a establecer contactos, llegando a diseñadores o posibles modelos. Lleva mucho trabajo establecer tu nombre en un mercado ya existente, pero creo que mi estilo era y sigue siendo a veces algo a lo que los fotógrafos finlandeses no están acostumbrados. El estilo finlandés es muy minimalista, por ejemplo, en los diseños de Iittala, el tipo de orden. Hace poco, un buen maquillador mío calificó mi estilo de nicho, pero al mismo tiempo, esto es lo que me hace diferente, y la gente siempre está interesada en algo que no conoce, algo fresco, inédito. Es importante seguir siendo tú mismo, y la gente adecuada te seguirá.

Te inspiras en la gente, la ropa, el lugar y la luz. ¿Cómo crees que estos elementos se mezclan en tu trabajo? ¿Da prioridad a ciertos elementos a la hora de fotografiar?

Para mí es bastante sencillo: suelo ver un interior interesante, ropa o un rostro y ya sé cómo combinarlos. Recuerdo que cuando tenía 16 o 17 años fui a una especie de jornada de puertas abiertas en la Academia de Bellas Artes de Varsovia con mi paupérrimo portafolio. Ofrecían consultas gratuitas con profesores y, aunque no se mencionaba la fotografía en el programa, decidí comprobarlo. El consejo que recibí allí es algo que guió mi futuro en la fotografía. El profesor me mencionó lo importante que es imaginar un espacio y poner a una persona en dicho espacio, y cuando realmente tomas una fotografía de alguien, debes pensar en cómo poner todo junto: dónde pones al modelo, cómo va a ser la luz allí, de dónde va a venir la luz y qué tipo de sombras se van a dibujar en la cara. Para un aficionado como yo por aquel entonces, eran palabras alucinantes a las que nunca había prestado atención. Tenía un sentido del espacio, pero no sabía colocar las cosas en él. Con la práctica, ahora es un hábito natural.

Con los modelos profesionales es un poco diferente, porque ya tienden a tener un buen sentido de sí mismos -cómo verse bien, y desde qué ángulo, o cómo quieren presentar las cosas-, así que hace las cosas un poco más fáciles cuando se trata del proceso creativo. Prestan más atención a la procedencia de la luz o a cómo mostrar el conjunto, en lugar de preocuparse por si se les nota la papada, que no es tan mala como mucha gente cree.

Intento no priorizar qué modelo, atuendo, localización o luz es lo más importante, ya que todos son necesarios para crear una buena fotografía, pero si tuviera que elegir un elemento que impulse todo esto, sería el sujeto: la modelo. La luz puede ser más tenue o demasiado brillante y se puede trabajar en torno a esto con su cámara o posible equipo adicional, la ropa siempre se puede quitar si no se ajusta a su idea y hacer un simple desnudo, la ubicación puede ser discutida, pero nada puede superar la conexión que tendrá con un modelo y lo mucho que puede obtener de esta conexión.

El día del rodaje, ¿cómo se prepara y se mantiene motivado de principio a fin?

Hoy en día, suelo trabajar mucho, así que mi proceso es un poco diferente al de, digamos, hace un año. Suelo tener un moodboard que intento compartir con el equipo creativo o los modelos antes de la sesión, para que sepan qué esperar. Si la idea es totalmente mía, estoy más que emocionada de realizarla ya y pasar a otra. Intento inspirarme y ser activo en la comunidad, estar presente en el mundo del arte y la cultura, mirar toneladas y toneladas de imágenes de nuevos fotógrafos y volver al arte clásico.

En el aspecto más técnico, siempre intento discutir cuántos looks vamos a fotografiar y hacer un plan, para pensar qué telón de fondo se adaptará a esto o aquello. Lo mismo con la iluminación. Pensar en las cosas técnicas antes de la propia sesión facilita mucho el trabajo y te da tiempo para disfrutar de verdad, en lugar de enterrar la cabeza en pensamientos y no trabajar adecuadamente con un modelo.

Expresar emociones reales es algo que resuena en los espectadores más que nunca en estos tiempos: acudimos a las imágenes en busca de respiro e inspiración. ¿Cuáles son sus consejos para crear retratos emotivos?

En mi opinión, para que alguien sea un buen fotógrafo de retratos hace falta mucha conciencia de sí mismo. Es muy importante ser profesional en todo momento, pero también mantener las cosas amistosas y respetuosas en el momento de la sesión. No hay que preocuparse ni dejarse llevar por el pánico, porque la gente que te rodea lo percibirá y, de repente, todos actuarán de forma caótica.

Tú eres el director aquí, estás trabajando estrechamente con alguien que puede sentirse intimidado por un gran objetivo delante de su cara. Tu papel es definir exactamente lo que va a ocurrir en los próximos minutos. No todo el mundo se siente cómodo sentado frente a la cámara. Todos los pensamientos e inseguridades pueden empezar a dar vueltas en su cabeza: si me veo lo suficientemente bien, si mi cuerpo es demasiado grande o demasiado pequeño en ciertas zonas, si se ven mis partes sensibles. Todos somos hermosos, todos somos diferentes y esas diferencias nos hacen únicos y sorprendentes.

Es importante hablar con la modelo antes de la sesión, conocerla al menos durante unos minutos. Es importante preguntar por su zona de confort y no cruzarla. Un buen fotógrafo debe tener muchas historias bajo la manga, esperando a ser contadas en momentos de tensión y dirigir la cabeza del modelo hacia otro lugar. Me gusta preguntar cuál es su postre favorito y dejar que lo explique con detalle. Si crees que no va a funcionar, prueba a pensar durante unos minutos en la mejor comida que has probado, mírate al espejo y verás cómo se te relaja la cara.

Si quiero que un modelo tenga ojos fuertes en un retrato, tiendo a levantar la voz y a cambiar de postura. Si estamos haciendo un look más suave en un entorno tranquilo, hablo despacio y en voz baja, pongo música tranquila y doy instrucciones en un tono suave. Todo es cuestión de tu enfoque: cuanto más te entregues, más experimentará la gente que te rodea. En mi opinión, el comportamiento del fotógrafo es una de las partes más importantes del proceso creativo.

Tus imágenes tienen una suavidad en la forma en que el modelo se involucra con el objetivo y la estética. ¿Podría explicarnos el proceso de edición de postproducción que da como resultado hermosos retratos llenos de humor?

Intento evitar el exceso de edición o de retoque de la cara o el cuerpo. Intento trabajar sólo en los detalles notables, por ejemplo, la caída del maquillaje o ese gran grano que te salió ayer. Mis retoques se centran en arreglar las posibles sombras, en lugar de mejorar lo que ya está ahí. En lo que respecta al color y a la postproducción en general, me gusta mantener las cosas en el lado más oscuro: desde utilizar un telón de fondo más oscuro hasta llenar el espacio con soportes negros para controlar la luz que entra, pasando por ajustar la exposición en el lado más bajo en Lightroom, donde edito más mi trabajo.

Me gusta el efecto que se consigue trabajando con película, así que nunca quito el grano de mis fotografías, y a veces incluso lo subo mucho. Antes de pasarme a la cámara digital, trabajé con cámaras de película tradicionales durante más de seis años, así que de ahí viene mi estilo temperamental.

¿Tienes una imagen favorita? Si es así, ¿cuál y por qué?

Una de mis fotos recientes de Marie, me encanta el contraste entre el tono de piel de la modelo y el fondo. Me gusta lo fogosa que es en la vida real, y cómo conseguimos esta toma suave y tranquila.

¿Qué consejos daría a los aficionados a la fotografía que quieren invertir más en su práctica?

Practica, practica y practica. Nadie va a hacer el trabajo por ti. Tú eres el único que puede hacer un cambio en tu afición o carrera. Sal ahí fuera, muestra tu arte al público. Piensa en lo que más te motiva, en lo que te da mariposas cada vez que tomas una instantánea, y déjate llevar por ese sentimiento.

Harás muchas fotos malas, conocerás a gente que te arrepentirás de haber conocido y posiblemente te sentirás utilizado por otros creativos. No te pagarán tanto como quisieras, pero sólo el viaje y la experiencia merecerán la pena.

Recomiendo encarecidamente a todo el mundo que trabaje en una película durante cierto tiempo, ya verás lo mucho que puedes aprender de tus propios errores.

Acércate a la gente con la que quieres trabajar, y si no ves respuesta, trabaja para trabajar con ellos. Haz una autocomprobación y compara tu trabajo, piensa en lo que puedes mejorar, lee sobre la gente que te inspira, crea redes, asiste, mantente inspirado. Mira la luz que entra por tu ventana y piensa en lo que puedes crear con ella mañana.

¿Hay algún proyecto interesante en el que estés trabajando actualmente y que quieras compartir con nosotros?

Desde hace unos meses, estoy trabajando en un proyecto muy emocionante que abarca los temas de la diversidad, el racismo y la comunidad LGBTIQA+, y que pretende concienciar al público en general sobre el problema de la discriminación en Finlandia y en todo el mundo.

Estamos colaborando con el Ayuntamiento de Helsinki, la Comunidad del Orgullo de Helsinki, Etno del Sur de Finlandia, Seta y el Ministerio de Justicia de Finlandia para hablar de estos temas y para potenciar y aumentar la representación de las personas LGBTIQ de color en Finlandia.