La colaboradora de licencias Julia Wimmerlin sobre cómo se traduce editorial en fotografía de archivo
Julia Wimmerlin es una fotógrafa nacida en Ucrania que actualmente reside en Suiza, aunque ha llamado hogar a muchos países diferentes a lo largo de su vida. Julia trabaja en una variedad de géneros fotográficos, con una cartera diversa que abarca desde arquitectura elegante hasta retratos coloridos, aplicando de manera experta técnicas de iluminación innovadoras.
Julia, ¿puedes contarnos un poco sobre tu evolución y progresión como fotógrafa y cómo te ves actualmente dentro de la industria?
Empecé la fotografía como hobby en Japón en 2011, con fotografía callejera. Probé diferentes géneros y con el tiempo, los viajes y la fotografía de animales se convirtieron en mis campos principales. Hice algunos retratos aquí y allá, pero no fue consistente y realmente no invertí suficiente tiempo en ello.
En 2020, con las restricciones de movimiento y comunicación presencial, mi mundo anterior de constante cambio de lugares y rostros desapareció, dejándome literalmente frente al espejo. En busca de una salida para la energía creativa, comencé a realizar predominantemente autorretratos en los que la luz y el color se convertían en los protagonistas, y yo era un elemento adicional. La luz y el color son capaces de transmitir emociones de la manera más honesta y estados que van desde la desesperación y la soledad hasta la esperanza y la transformación.
Actualmente estoy explorando géneros creativos y de bellas artes con la esperanza de compartir mi tiempo equitativamente entre la fotografía de estudio y la de viajes/vida salvaje en un futuro cercano.
Al revisar su trabajo publicado, es realmente sorprendente ver dónde ha estado y las fantásticas imágenes que pudo capturar. Parece que algunos de los trabajos de viajes por mar y vida silvestre podrían haber sido particularmente desafiantes. ¿Hay alguna situación que pueda compartir en la que haya enfrentado un desafío inesperado y cómo lo superó?
En realidad, el mayor desafío es pensar rápidamente. Por lo general, los planes no funcionan como se esperaba, por lo que debe evaluar rápidamente la situación, ajustarla y aprovecharla al máximo. Puede ser absolutamente cualquier cosa: la configuración de la cámara, la posición de la luz, no moverse para dejar pasar al animal salvaje, el agotamiento de la batería del dron y muchos, muchos más.
Recientemente, has estado fotografiando un estilo de fotografía editorial artística. ¿Qué te inspiró a entrar en un género de fotografía tan creativo?
Al igual que muchas personas, las restricciones relacionadas con el Covid me sacaron de mi marco habitual de trabajo, así que comencé a buscar otra fuente de inspiración. La luz y el color siempre han sido un punto fundamental de mi trabajo. Desde 2020 he tenido tiempo para concentrarme en ellos en lugar de solo usarlos como énfasis en la fotografía de viajes y vida silvestre.
Tienes un excelente ojo para el color. ¿Cómo decides con qué combinaciones y colores trabajar dentro de tu fotografía?
Hay combinaciones clásicas, que se pueden deducir de la teoría del color. La forma más fácil y práctica de buscar estas combinaciones es usando ruedas de colores interactivas, que puedes encontrar en línea.
Esto es principalmente posible en fotografía de estudio/escenificada. Cuando filmo viajes en exteriores, sigo trabajando mucho con los colores en la posproducción, restando los que rompen la armonía del color y ajustando los demás al tono más agradable y armonizador.
¿Podrías desglosar tu proceso creativo? ¿Cómo llevas tus conceptos de la idea a la ejecución?
No existe una única manera de ejecutar una idea. A veces solo quiero trabajar en torno a una configuración de luz en particular, otras veces se trata de un color específico y, a veces, es un concepto claro que quiero ilustrar.
Una vez que tengo un punto de partida, construyo una idea a su alrededor y creo una historia que se puede leer como un libro, por eso el orden de las tomas puede ser importante. Investigo referencias y creo un moodboard para mantenerme en el estado de ánimo y el espíritu de la idea que quiero ejecutar.
En su trabajo reciente, hace un gran uso de los recortes para que la luz brille. Esta técnica a menudo se enseña en los programas de fotografía, pero parece que la has llevado al siguiente nivel. ¿Te importaría compartir tu proceso para usar estos recortes?
Así es, estoy fascinado con una forma precisa de dar forma a la luz. Puede hacerlo de varias maneras, desde simplemente hacer un recorte de papel y pasar una luz fuerte a través de él hasta usar accesorios de luz específicos que enfocan la luz usando lentes ópticos y crean una forma muy nítida. He usado ambos.
Sin las limitaciones de tiempo o presupuesto, ¿cómo describirías la sesión de tus sueños?
Con mi nuevo amor y habilidades para el uso creativo de la luz para la fotografía de bellas artes, intentaría mostrar un mundo paradisíaco, una intersección entre las pinturas de interiores de la antigua Roma y el arte monumental del Renacimiento, mostrando animales y diferentes personas en un mundo que podría haber sido .
Recientemente, el autorretrato ha sido tendencia, principalmente debido a la actual falta de accesibilidad a modelos, estudios, etc. ¿Cuáles son sus consejos para capturar un autorretrato impresionante?
Ese ha sido exactamente mi reto, no tener a quien fotografiar, así que como todo el mundo, recurrí a los autorretratos. Usar luz compleja y recortes en uno mismo es incluso menos simple que usarlo en otra persona.
Los factores clave son ver lo que estás fotografiando y un enfoque correcto. Para ver lo que fotografío, uso una aplicación de Canon en mi teléfono o un sistema más complejo de CamRanger que uso principalmente para mis proyectos arquitectónicos. Para enfocar, configuro el enfoque en el seguimiento ocular o pongo el área de enfoque en el medio en enfoque automático completo.
Muchos fotógrafos sienten que identificar y seguir las tendencias es esencial para el éxito dentro de las licencias comerciales. ¿Cómo te mantienes al tanto de las tendencias emergentes de la fotografía y cómo crees que influyen en tu trabajo?
Estoy de acuerdo en que, hasta cierto punto, es importante observar y conocer las tendencias. Pero, en realidad, la mayoría de las necesidades de licencias siguen siendo muy universales: relaciones, sociedad, autoidentificación, etc. Lo importante es tratar de mantener su lenguaje visual fresco y único, el resto sucederá solo.
Las imágenes perennes dentro de Licencias se refieren al contenido que se puede usar sin importar la temporada y para una variedad de propósitos. Su reciente serie de Licencias captura algunos de los contenidos más creativos, aunque compuestos conscientemente, dentro de esta categoría. Este tipo de contenido puede ser muy atractivo para los compradores comerciales que buscan destacar mientras cuentan una historia que todos conocemos, por ejemplo, trabajar desde casa. ¿Tiene tres consejos sobre cómo hacer que un tema aparentemente mundano u ordinario sea más emocionante y atractivo?
Creo que hay una diferencia entre la fotografía de stock común y la fotografía de licencia editorial.
El primero necesita un mensaje muy claro que sea fácil de leer de inmediato. No tiene por qué ser complicado, puede y debe parecer ordinario, y siempre hay una demanda para ello.
La fotografía de licencias editoriales tiene mucho que ver con el concepto detrás de la foto, por lo que aquí es donde es importante considerar cualquier tema más como un proyecto de arte. El uso creativo de la luz y el color son siempre mis primeras herramientas.
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